所長の独り言... 
とあるジャズベーシストの独白・・・
人工的な自然
 実際自然である事と、自然らしい(自然っぽい)事は、違う。
 例えば、我々日本人が「豊かな自然の風景」として思い描く山林や農村の田園風景や小川みたいなものは、完全に人工的に造り出されたものである。 日本で最も劇的な自然環境破壊や人工化が始まったのは弥生時代である。
 起伏に満ちた大地は稲作に適した形に耕され平面化され、そのために大規模な治水灌漑が行われて川や水路の流れが整えられ、山という山は燃料や建材となる木に植え替えられ、その過程で多くの固有の動植物種が乱獲や生息環境の喪失により絶滅した。手つかずの自然はごく一部、古い杜や離島等に残るのみ。
 現代日本の、しかも都市部に生まれ育ったものが豊かな自然だの云々した所で、どうせそんなものは大昔に人工的に造られたものでしかない。
 本当の手つかずの自然、人間の手の触れていない自然とか、案外、殺風景なゴツゴツした荒地とか、薄暗い原生林だったり、暖かみだのハートフルだのと無縁。
 入りこむ人間に対する配慮とか親しさとかウェルカム感など、皆無。 それどころか、どこかゾッとするような無関心とか疎外感たっぷりのアウェイな気分を、容赦の無さを、堪能する事が出来る。 それがリアルな自然、というものだ。 古い杜、霊域、なんかには、そういう領域が残っている。




 純度の高い水。 というが。
 本当に混じり気のない、純粋な水、「純水」という物質は、自然界には存在しない。
 雪解け水、雨水などが、山林の土などで濾過されつつミネラル(鉱物の成分)などが混ざり、湧き水となり、川となり、湖となり、海に流れ込む。
 我々人間は、どこかでそれを取り込んで、水道水用だかペットボトル販売用だか、とにかく飲むのに適した形に加工する。 ミネラルウォーターとか、ピュアウォーターとか、天然水とか、純粋っぽさ・自然っぽさをアピールしているが、勿論バリバリ人工物である。カルキ入りでないだけだ。
 さらに近年では、自宅に浄水器とか濾過するための装置や専用容器を持っていたりする。クリーンな水、キレイな水、良い水を求めるからだ。 空気清浄機などにも言えるが、そこで作られる自然や純粋さは、人工的に作り出されたものだ。 むしろ、リアルに自然な水など飲んだら腹を壊しかねない。
 自然な聴感。純粋な音色。何をどう混ぜたら、作れるだろうか。
 そもそも、楽器も楽曲も演奏も、人工的なものだ。はるか昔、2千年以上昔の、この世の全ては数で解き明かせると考えた古代ギリシアのキチガ、、、もとい、偉大なる数学者ピタゴラスが作った12音の音律をでやってきてる訳で。


 空や海が青いのは、実はゼンゼン澄んでいない(色んな余計なものが混じっている)から、だ。
本当に混じり気なく澄みきっていたら、無色透明なら、目に見えない。

無じゃダメなのだ。何かを混ぜないと。
何か混ぜてると感じられないように。それが気にならないように。

 難しい。(^^;
 
 
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脳内に木霊する音
生音(アコースティック)なバンドのサウンドには、楽器の配置による前後・左右、またそれぞれの楽器の持つ音色(周波数)によって生み出される上下(.高低差)などの立体感がある。
しかし我々日頃から生楽器で生演奏に親しむアナログ派の演奏者やリスナーは、「それ」だけじゃない事を良く心得ている。
自分とバンドとの位置関係によって。 また、自分とバンドのいる空間の広さやその構造や材質によって。音楽の場の空気感、熱量、雰囲気、人数、、、などによって、聴こえ方に色々な違いが生じてくる。 音が一方向に進む訳ではなく、様々な方向に放射され、反射され、混じり合ったり衝突したりする。 反響とか、残響とか、山彦(木霊)とか、、、なんにせよ。自分の位置によって、聴こえ方に変化が生じる。 よっぽど人工的に作り出した無響室とかでない限り。 こんな事は、誰でも知っている。自然に、感覚的に、分かっている事。 わざわざ言うまでもない事だ。
 
 ・・・だから、分からなかったんだな、と。
  レベルにせよ、PANにせよ、イコライザにせよ、リバーブにせよ。 アナログ派は、リアルな配置とか自身の演奏とか舞台セッティングとかで、どうにかしようとしてしまう。 むしろ、どんな現場でも均質化しようと、苦心努力してしまいがち。
 我々ベーシスト的には音量ツマミとか、イコライザとか、エフェクターとか。アンプにもついてたり、持ち歩いたりで。縁があると言えばあるが。
 僕の場合、音作りとか、個性化とか、演奏のし易さとか、、、ボロ隠しとかw そういう用途にしか使わないし、元々そういう目的のもの、一種の反則凶器、くらいに思ってきた。
 同じものでも、使い方によっては、薬にも毒にもなる。
 「あまり薬物/毒物に頼らず、なるたけ自力で頑張りたい!」という意識が働いてしまい、あまりイコライザとかエフェクトとかの、本来の存在意義とか使い方について、全く理解していなかった。
 
 違うんだな。
 平面的なものを、立体化させるために使うもの、なんだな。
 エレキギター、エレキベースのような生音の無いエレキ楽器は、それで音を作るしか無い。 そのために、プリアンプやパワーアンプで、イコライジングしたり、増幅したりする。 元々ウッベのような、生音のある楽器のためのものじゃない。ウッベ弾きの視点で、これらを眺めていたから、どうにもピンとこなかったんだな。

 アナログ派、ウッベ弾きで、ずっとやってきたせいか、どうしてもアンプやエフェクトというと、歪んだ見方をしてしまいがちだが。デジタルとか録音とかの視点から見れば、平面的なスピーカー・ヘッドホンから鳴らす前に、人工的に、立体感や反響や残響などの空気感・臨場感まで埋め込まなきゃならない。
 「状況に合わせて臨機応変に、かつ毎度おなじみの、相変わらずな演奏をお届けします☆」が合言葉のジャズ畑の生演奏家の心意気とは全く逆に考えなきゃならない。 「状況そのものを作る(再現する)」事をしなくちゃならない。狭いカフェで、或いは広いホールで、演奏してる事にしなきゃならない。
 仕上がり状態を決める、音をイメージする、というより、まずは、「どんな場所・状況でやっているか」を決めて、イメージして、シミュレーションしていかなくちゃならない。 「ま、なんとなく良い感じに聴こえれば、聴いて貰えりゃ、結果オーライ☆ 無問題♪」的な、ドンバ的なノリでは出来ない。

 このゲームのルールが見えてきた。
 
 ゲーム、再開。






 参考までに、色々と手持ち音源を(演奏とか作編曲を度外視して、主にミキシングに注目して)リスニング。
  ・・・色んなカタチ(作り方)があるなぁ。。。 
 ジャズものの、ベースだけに絞っても、真ん中だったり、やや右寄りだったり、、、時たま、なんと左から聞こえてるものや、真上から聞こえてくるものもある。
 これまで、そんなもの、あまり気にした事がなかった。
 鈍感さに加え、つい昨年まであまりリスニング環境が良くなかった(安物ヘッドホン使っていた)せいもある。

 実際の所、ジャズ系の作品のミキシングというのは、どういった層の、どんなリスニング環境を、メインターゲットにしているのだろう。
 どデカいスピーカーとハイエンドなオーディオシステムのあるリスニング・ルームでグラス酒を飲みながら聴く層なのか、通勤通学の途中に端末イヤホンで聴く層なのか。
 生ライブの現場を再現した臨場感たっぷりの感じを求める層なのか、ミュージシャン目線のステージ上の感じを求める層なのか、RVGが作り上げたファンタジーな(リアルにはあり得ない)レコード的な音楽空間を求める層なのか、最先端の色々と駆使した刺激的なヴァーチャル音楽を求める層なのか。
 正解はひとつじゃない。いくらでもある。

 ところで。 話は思いきり変わるが。 数年前、和声の原理や楽器ルーツを求め、西洋の音楽について西洋史(というか民族史)とか絡めて徹底的に勉強してみた事があった。 ルネサンス期、ブルゴーニュで生まれた和声がイタリアに伝わった後、ルネサンス音楽として全盛期を迎え、やがてバロック音楽を作り出す。その時代、フランドル楽派のスタイル、対位法が全盛の中で、ヴェネツィア随一の寺院 聖マルク聖堂では、教会の構造を駆使した、独特な手法が使われるようになった。あまりに巨大であったため、残響を利用した二重合唱が開発された。
 二つのバンド(聖歌隊やオルガン)を離れた位置に別々に配置し、交互に演奏させたりして、意図的に反響・残響でアンビエンスな特殊効果(エフェクト)を作り出した、と言われる。 現代では、いちいち中世風の巨大な教会を建築をしなくとも、そんな効果を挿入(インサート)する事が出来る。
 1960年代頃、ジャズ作品のいくつかは、独特なフィーリングを求めて、わざわざ古い教会とかやたら響きまくる所で録音されたりした。 それも、現代では、リバーブのプリセットの選択で、似たような効果を出せる。

 アナログ式では、マイクに録る際に、ほとんど決まってしまっていた。録音環境(ロケーション選択)が大事だった。 しかし、デジタルでは、録ったり作ったりした後で、後づけで選択出来るし、差し替える事が出来る。 というか、選択し、決定しなくちゃならない。
 それとは別に、いくつかのトラックを一つの音源と言う器に箱詰めしてく作業を行う際に、一括してそういう指定を行う事も出来る。 各チャンネルに直接エフェクトを接続するインサートと、複数のチャンネルから一台の機器に対して音を送り出し、戻ってきた音を原音にミックスするセンド(・リターン)。

 「響く(反響残響がある)なぁ。 よし、硬めな音で演奏しとこう」という現場のプレイヤー的な思考ではなく、「こういう音(演奏)がある。よし、こう響かせよう」というエンジニア的な思考に切り替えていかなくてはならない。

  頭硬いので、切り替えが大変w
呪文に惑わされない事
 バウンス(レンダリング)、ノーマライズ、ルーティング、コンソール、フューダー、PAN、ミュート、ソロ、BUS、AUX、db、オートメーション、パライコ、グライコ、パラグラフィック、フレック、Q、ゲイン、ハイシェルフ、ローシェルフ、ハイパス、ローパス、ベルカーブ・・・・呪文のようだ。
 
 いわゆるジャズ・ポピュラー理論と呼ばれる技法とその用語(ワケの分からないカタカナ語)が輸入され、だんだんそれがデフォルト・必須になっていき「それ無しじゃやってけない」的な流れになった時、それまで楽典と耳コピと経験則でやってきた日本のミュージシャン達はどういう気分だったのだろうか。
 僕の場合は、始めた時点で、既に「いわゆるジャズ・ポピュラー理論」というのが絶対的なくらい普及していたので、「最初からそういうもんだ」と割りきって勉強した。(むしろ、その後に、ビバップやスイング、それ以前の初期ジャズ、黎明期のジャズ、ジャズになる前のルーツ音楽まで回帰した)
 現代、これからジャズを学ぶ人達は大変だ。いわゆるジャズ・ポピュラー理論だけでなく、それ以前の古典的音楽理論やブルースその他の様々な様式や手法を学ばなければならない。同時に、少し前ならミュージシャンには全く関係ないエンジニアの領分だったような技術・用語知識も学ばなけりゃならない。

 でも、そう思ってるのは前の時代を知ってる一定の年齢以上だけで、案外今の(そしてこれからの)若い世代は、「だって、最初っからそーいうもんじゃね?w ラクショーっしょ☆」とか思ってるのかも知れない。 「昔は」とか「我々の時代は」とか、そういうしょーもない泣き言並べても仕方ない。
 例えば。コーダルな音楽(機能和声に基づく音楽)を、物凄くザックリと一言で言い表すならば、「Tに始まり(途中なんやかやで)Tで終わるスタイル」となる。
 Tから4度上(5度下)のS
 4度上がって(5度下がって)Tに至るD
 これをまとめて T→S ・D→T という、基本形が出来る。
 ・・・とか。
 機能和声とか、教会旋法とか、グレゴリオ聖歌とか、12音システム(ピタゴラス音律)とか、テトラコルドとか、それぞれ一時ムキになって色々と調べた時期があるが。そのおかげで、ザックリと、概要というか骨子というか、「要は」みたいな事について把握・俯瞰する事が出来るようになった。

 DTM、ミキシングについても。 一刻も早く、概要というか根幹的な部分というか、「要は」な部分についてザックリ把握しておきたい。 それさえ出来れば、後は、実践(実戦)を重ね、一つ一つ個別に取り組み、時々深く掘り下げてったり、アレとコレとを結びつけたり(応用したり改造したり)出来る。
 現時点では、まだまだ、ハウツーに従って、その通りの手順・やり方で、進めてくしかない。というか、それがやっと。
 それでも、ようやく、そもそも何をしなくてはならないか、最初に何から手をつける(始める)べきか、駒の動かし方と基本的な手筋・手順(定跡)みたいなものが見えてきた。

 居飛車、振り飛車、矢倉、穴熊、棒銀、、、あれ?全然出てこないw
 もともとヘボ将棋な上に、もう何年もやってないので、サッパリ覚えてないが。
 こうした膨大な専門用語に振り回されるより、まずは実際に打ってみて、その絵面とか、流れとか、体感とか、そういうもので覚えてしまった方が良い。
 まずは手を出して、ひたすら反復して、叩きこんで、便宜上呼称が必要になったり整理したくなった時、はじめて用語を覚えれば良い。 一覧(用語集)は、まとまって分かりやすいようでいて、むしろ余計混乱したりしてしまう。
 → 将棋の戦法一覧 こんなもの、丸暗記する(所からはじめる)意味がない。
手を出す前に、或いは手を出し始めた段階で膨大な用語とか説とか周辺の雑学に惑わされると、そもそもそれが将棋というゲームである事や、「相手の王(玉)を取る(=詰みにする)」というそれだけのシンプルなゲームであるという事、すら見えなくなる。 何か、とてつもない、奥深い、手を出せないものになる。

 僕は、偉大なジャズの巨人達について一応リスペクトしているが、それは子供の頃に(あの16連射の)高橋名人に抱いたものと基本的に変わらない。ただ、16連射みたいな早撃ちが出来るとは思わなかったが、「別のやり方をしてやる」とは思っていた。 大事なのは早撃ちでなくて、ゲームをプレイする事だ。
 取り組む事、取り扱う事、対処する事に対し、あまり過度に重々しく考えてはいけない。 「そんな、畏れ多くて、、、」「自分にはとてもとても、、、」みたいな事を考えてたら、持ち上げ過ぎたら、自分から遠く離れた問題になってしまい、何も出来なくなる。何も分からなくなる。 畏敬の念は不要。
 
 まずは、徹底的に簡単に。ライトに。チープ化(矮小化・手軽化)する事。
 無闇に、わざわざ自分から難しくするのは禁物。
 ワケのわからない怪しげな呪文なんぞ、唱えようとしちゃいけない。 冷静に、客観的に、大雑把に、大体の流れで、やってみた感じで、掴むべし。

 まずは、 「まな板の上」に「素材」並べて、バラバラに解体し、下処理したり、切り刻んだり漬け込んだりして、料理していくのだ。
その、様々な素材を、同じまな板に載せるための第一歩が、MIDIデータのオーディオ化。 バウンス。レンダリング。
 
2016年10月の予定
2016年10月のライブハウス(セッション・ライブ等)の予定です。

☆10/8(土) ジャズライブ演奏@本厚木コシーナ
平栗康夫(sax) 佐藤育恵(p) 府川晃一郎(b) 舛田真(d)
19:30〜 ¥2000
神奈川県厚木市中町4-3-10 2F
046-244-5578
スペイン料理とライブのお店での演奏です。

◇10/11(火)ジャム・セッション@関内ABスマイル
 矢藤健一郎(d) 杉山美樹(p) 府川晃一郎(b)
 19:30~ ¥2000
 http://absmile.jimdo.com/
 横浜市中区太田町1-11-3 グリーンビル4F
 ☎045-664-6162
 毎月第2火曜定例のジャムセッションです!
 楽器もヴォーカルも見物も、全部お待ちしております!
 気軽にご参加下さい☆
   
◇10/14(金) ボーカル・ライブ@関内スピークロウ
浜田ゆき(vo) 橋本宏之(p) t府川晃一郎(b)
20時~ ¥3000
http://speaklow.jp/
横浜市中区住吉町6-74 2F
☎045-641-4468
 
◇10/21(金)ボーカル・ライブ@関内スピークロウ
中村早智(vo) 橋本宏之(p) 府川晃一郎(b)
20時~ 4set / \3000
http://speaklow.jp/
横浜市中区住吉町6-74 2F
☎045-641-4468

◇10/22(土) ボーカルセッション
橋本宏之(p) 府川晃一郎(b)
14時〜17時
http://speaklow.jp/
横浜市中区住吉町6-74 2F
☎045-641-4468
 
今月もどうぞ宜しくお願いします。m(__)m



◇レッスン
随時レッスン生徒大募集中です。
ジャズ・ベースを始めてみたい方、独学でやってきたけど習ってみたい方など、気軽にご連絡下さい。

 http://www.geocities.jp/bassere2/uketuke/lesson2.html

◇その他、演奏・作編曲・譜面書きなど、何か依頼したい方はコチラ→メール・フォーム

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